La Estación Arte Contemporáneo, presenta la exhibición de César Mendoza: “no tienes nada que temer puedes hacerlo sin mi ayuda”, en el marco de las actividades de La Ruta Shows, evento presentado por Arte y Cultura Contemporáneo A.C. La cita es a las 18:00 hrs. del viernes 13 de diciembre de 2013.

Esta exposición forma parte del primer La Ruta Shows que consiste en eventos que comparten la mística de “La Ruta”, llevados a una escala más pequeña e íntima. Exposiciones casi simultáneas en lugares cercanos, que generen el recorrido entre galerías y la convivencia social.

El primer La Ruta Shows por lo pronto usará a dos de las tres galerías de Arte y Cultura Contemporáneo: La Estación Arte Contemporáneo y Terminal Santorini, dejando para futuros eventos la sede de La Casa Gestoría Cultural.

Esta obra de César, tepozteco afincado en Chihuahua, lleva algunos años gestándose y por fin verá la luz pública. Se ha construido con pequeñas piezas orgánicas: hojas, ramas, suelo, frutos, insectos e incluso algún colibrí.

Su referente: “Narraciones escultóricas de pequeños mundos de ciencia ficción orgánica”. Piezas que cuentan una historia, enlazadas por un concepto de ciencia ficción y misticismo: Delta 9 es un científico en búsqueda de un planeta habitable, miembro de un grupo que descubrió una gigantesca onda de desmaterialización que se dirige a la Tierra. Al descubrirla huye hacia algún otro planeta habitable… pero la onda aún así lo alcanza.

De regreso en algo similar al planeta Tierra, Delta 9 se encuentra con seres que sólo realizan las necesidades básicas del cuerpo, parece que no tienen razón, pero comen, cazan, se reproducen y sobreviven o mueren sin sentimientos o palabras.

El concepto neek´ utial sasil Delta 9 surgió de la inspiración provocada por los dibujos pequeños que César empezó a realizar antes de las esculturas, aproximadamente en 2003.

El nombre significa semilla de luz en maya, semilla: neek’ de: utial, luz: sásil.

Delta 9 hace referencia a cierta clasificación determinada característica única de la materia en estudio, y provoca cierto enfoque científico, marcando un contraste tanto regional como universal en el nombre y el concepto.

La obra reflexiona sobre la producción tecnológica, y cómo se relaciona con lo orgánico. El tema de ciencia ficción realizado a través de materiales orgánicos nos muestra que la tecnología no solo es fría y robótica, alejada de lo natural. Esta obra es un ejemplo de que todas las cosas intercambian conocimiento o información constantemente en ciclos equilibrados: ramas, hojas, piedras y material orgánico en general pueden ser formas de transportes mecánicos, naves o aparatos.

También nos recalca el valor de los detalles del microcosmo, los elementos orgánicos forman parte de un mundo en pequeño, detallado y lleno de posibilidades. A fin de cuentas busca reflexionar sobre la relatividad del valor del espacio. Al respecto comenta César: “esta idea inspiró en mí una pequeña frase: ‘diminuta inmensidad’, que de cierta forma resume ese aspecto del concepto entero de “neek’ utial sasil delta 9”.

Estos cuentos del bosque nos invitan al aprecio de las cosas pequeñas, a relacionarnos más con nuestro entorno natural, proponer la ecología, producir arte diferente y original con materiales distintos a lo acostumbrado, revalorar las facilidades del entorno natural, las herramientas que puede proporcionarnos, las riquezas, el material, entre otras.
“Todo este concepto de -neek’ utial sasil delta 9- junto a otras cosas me ha inspirado imaginar una ciencia que podría decirse como ergonomía terrestre”.

“Tú sabes que tan profundo puedes ir…es verdad que podemos ir muy profundo… el arte es una ciencia”.

Slogan: Cuentos del bosque.

Con esta presentación, La Estación Arte Contemporáneo, reafirma su versatilidad y compromiso con los artistas locales, dando su proyección y contacto para que su obra sea reconocida y apreciada en el ámbito local, nacional e internacional.

El equipo de La Estación Gallery presentará el próximo 8 de noviembre un Pop Up Show, en un loft ubicado en el barrio de Soho. Esta exhibición de arte contemporáneo se mantendrá por un lapso de una semana. El lugar donde se presentará el Pop Up Show de La Estación Gallery se ubica en 18 Mercer Street, en uno de los primeros edificios de hierro fundido en la zona, construido en 1861.

La Estación Gallery se presenta en Nueva York tras una dilatada experiencia tanto a nivel nacional como internacional en ferias y expos de arte contemporáneo. La Estación Gallery goza de una posición destacada como una de las galerías mexicanas con mayor reconocimiento y proyección internacional, que está avalada por su reputada cartera de artistas.

Se estará exhibiendo obra de Horacio Cadzco, Rocío Infestas, Fernando Rascón, Arian Dylan, Ismael de Anda III, Marco Arce, Miguel Valverde, Christoph Dahlhausen, Félix Lugo, Saúl Gómez Jiménez y el colectivo CAM de Nueva York, todos ellos artistas representados por La Estación Gallery.

As a proud participant of Chihuahua, México’s La Ruta1 and La Ruta 1.1 Contemporary Art & Culture Festival, my latest installation Ultraterrestrial, on exhibit at La Estación Arte Contemporáneo is a sensorial, fusion of fragments commingled from personal memories and time spent in several regions of the Chihuahuan Desert.

This multi-layered installation begins with abstracted crystalline forms painted on the gallery walls, inspired by Chihuahua’s Minas de Naica and the unexpected desert landscaping that could be found inside my childhood home, as well as alien planets from science fiction which looked very similar to the desert caves that I explored growing up.

Laser cut arabesque mirrors are superimposed over the crystalline designs to welcome the viewers gaze and invite them to notice their own pleasure of looking and to further physically explore the installation as a whole artwork and experience, containing multiple individual stations and pockets of temporarily reflected moments. Your own reflection is the art. The reflected activity of the city is the art.

Within this shifting installation are industrial shop lamps that beam light onto the mirrors casting reflected forms onto the ceilings and floor across the space. As the sun sets through the windows outside the gallery the reflected forms of light become more apparent within the space as tiny multiple mirages, some of which disappear as you attempt to move closer to them.

The mirrors attached to the outside of the gallery also cast reflections onto the surrounding streets that gradually seep into and creep up the surrounding buildings away into the sky with the setting sun to return, renewed the following day.

Back in the gallery an additional series of laser cut designs displaying mutated combination of images such as Mexican actor Tin Tan, antelope, swings, tractors and BMX riders are hung in a grid formation, floating off the walls, allowing the multilayered cut outs to project ephemeral shadow drawings on the wall in an attempt to illustrate the presence of memory. These works serve as another opportunity for viewers to move their bodies around the works to discover how their visual experience may change depending on their physical position.

The final station in this installation is a mirrored laser cut, text design with the phrase The Artist Has a Higher Threshold for Chaos/ El Artista Tiene El Umbral Mas Alto Para Caos. The words are intermixed and reversed as the languages simultaneously devour one another and presently co-exist. The reflection of the mirror reflects the entire installation. The reversed text may give the viewer the feeling of being on the inside of the mirror.

Como una nube de polvo cósmico que mezcla elementos esenciales para el origen de la razón y el pensamiento surge el proyecto Vega- Verduzco ya que parte de la necesidad de una relación y una gestación de producción artística de dos personas. Como gases que se mezclan para crear una alquimia única.

Al manejar una estrategia sencilla al comienzo- uno empieza un dibujo en donde sea y como sea para que luego el siguiente se encargue de darle una secuencia sin ningún orden, regla o estatuto- los dibujos se liberan de las reglas de la normalidad para crear universos oníricos donde formas y criaturas se expanden como las esporas de los hongos dando como resultado un abanico de géneros y motivos secuenciados entre si.

“ Aquí hemos utilizado todo lo que nos unía, desde lo mas próximo a lo mas lejano.”1

A manera de construcciones rizomáticas los dibujos cobran coherencia a un nivel lúdico- formal que puede mal describirse como surrealista cuando en realidad son dibujados no para dar a entender una ilustración del subconsciente del ser humano, sino para re crear una relación laboral entre dos personas. Esto se puede entender como partir de un punto y continuar con una línea y repetirlo incontables veces. El espacio es el plano y los puntos y las líneas las Nebulas que conforman los dibujos.

Contradicciones que devienen en confrontaciones para crear una lógica única, propia de juego y sana competencia, un espectáculo que resulta en pieza- dibujos de la manera mas sencilla y tradicional que existe.

Los motivos que se utilizan son específicos a la historia del dibujo (como herramienta fundamental para describir el mundo que nos rodea) y del arte. Los animales representados son el resultado de una decisión lógica. Si nos vamos a las representaciones mas antiguas del dibujo, lo que se representa son animales, cosas. Como consecuencia y para abordar el proyecto se recurrió a estos motivos aunque abstracciones formales forman parte del conjunto.

Otra táctica muy particular, sería la “inserción” o “sampleo” de elementos o fragmentos apropiados de pinturas clásicas de la historia del arte, los cuales fueron reinterpretados y re significados de tal manera que su referente original se vio tajantemente alterado.

Esto sucede en varias piezas, pero no hay mejor ejemplo que la pieza titulada “Zwischenwelt”, cuyo título proviene del alemán y significa “Entre Mundo.”

En dicha pieza, se inserta una monja proveniente del célebre cuadro del pintor francés Antoine Plamondón, titulado “Sor Santa Alfonsina” de 1841. Precisamente al ser reinsertada y reinterpretada en la nueva composición, la mujer en cuestión se fusiona con un nuevo personaje particularmente oscuro, creando un ente híbrido bastante singular. Y posteriormente este se disuelve en la topografía de la pieza pretendiendo así crear una circunstancia de lo absurdo, como una “realidad intermedia” o precisamente un “entre mundo”.

Dicha transmutación de las formas pretende por lo tanto crear estas circunstancias ajenas y dislocadas de los procesos habituales de creación artística, aprovechando todos los beneficios que se obtienen de la mezcla o fusión del trabajo de dos artistas.

Por lo tanto, el proyecto conecta dos maneras de abordar la práctica artística, la introspección y la conceptualización del dibujo. Mientras una crea mundos fantásticos personales la otra le da coherencia formal aunque el ejercicio especifico no es ajeno a cada uno de los involucrados.. Esta combinación que busca plantear un modelo nuevo de trabajo da como resultado el hecho de que a un nivel temático se multiplique la oferta ya que la estrategia es lo importante.

Así temas tanto formales (abstracciones) lúdicos ( animales,) políticos (escudos de armas) o sociales (mano con ojos) aparecen de una forma espontánea mas que planeada al ser el resultado de una cooperación y una relación laboral de dos iguales en un momento específico en la historia de la humanidad.

México DF- 5 de agosto del 2012

1- *- Mil Mesetas. Capitalismo y Esquizofrenia. Gilles Deleuze, Feliz Guattari.